伦敦设计双年展最早从2016年起办，最初的主题为“设计乌托邦”，以纪念英国人文主义学者托马斯·莫尔的名著《乌托邦》出版500周年。展览希望延伸《乌托邦》中描述的理想国度概念，通过设计作品探讨如何创造一个更新、更好、且可实现的理想世界。经历过三届的举办，伦敦设计双年展每次都带来了崭新的主题与优秀的作品。今年已经是第四届伦敦设计双年展，组委会经过讨论决定了本届的主题——The Global Game: Remapping Collaborations，旨在讨论一个全球化渐深的世界中，不同的文化主体如何彼此干涉影响、如何自我表达、如何展示自身所代表的文化符号与文化形态、并与彼此友善合作的社会议题。以此为核心，展会邀请了不同国家或地区的设计师通过自己的设计作品，表达自己的想法与设计理念。
在不同文化底色、不同设计手法与不同设计方向的作品中，既有面向未来的海洋栖息地或火星生活的设计作品，也有回归内心的虚拟花园或是映射社会关系的“烤面包”空间，同时也有根植于传统工艺的历史复现或是对本土风光的再创新。下面我们将从中挑选部分作品进行具体赏析。
OpenWork I Açık Yapıt
“镂空”是一个将空间与表演、戏剧相结合的实验性互动展览作品，由来自土耳其的艺术家及建筑师Melek Zeynep Bulut等人共同完成。它围绕“门”与“边界”等概念与隐喻，赋予了这些基础元素新的含义，通过将其视作社会中权力与阶级边界的代表，展示了一个抽象化的社会状态。
这个巨大的看似封闭的交互空间可以通过触摸与推动而被打破，空间会被推动、被改变、被逆转，而这一切由人们自己进行决策。该作品旨在模糊访客、装置、地面、权力与边界之间的界限，僵化的社会结构与随游客推动而不断变化的界限与空间将其解构，通过这个实验性游戏，游客可以体验到不可预测的社会框架。
And beyond
来自迪拜的设计团队MULA的设计灵感来自于全球合作，将历史上两个看似不同的时刻并置在一起，表达人类协作的独创性与超越历史、看向未来的一贯追求。
通过宛如沙丘的室内装置，让游客沉浸在骆驼商队的世界中，这是一种古老的合作形式，人们和骆驼一起在严酷的沙漠景观中穿行，通过贸易串联起了古老的文化与国家。
而随着旅程的继续，古老的沙漠与火星的丘陵相重合，那是新的漫漫长路。这个作品展示了设计团队对现代全球合作的希望，即将来自世界各地的专家团队团结起来，追求共同的目标——探索星空。
Blue Nomad
“蓝色游牧民族”（Blue Nomad）是一个自给自足的太阳能浮动栖息地，展示了一个为了在海洋上生活和旅行的无化石未来而设计的、完全依靠太阳能的小型、舒适、永久的生活空间。浮动栖息地由结构优化的亚麻纤维编织而成，纯粹依靠太阳能进行推进，淡水，食品生产和电力亦类似。
来自丹麦与瑞士的设计团队表示，他们的灵感来自第一批波利尼西亚游牧民族。在古老年代，他们通过outrigger ，一种由有机材料制成的船，通过侧面浮筒提供水上的稳定性来探索世界。
BROT: baking the future
由设计师Anna Rosinke和MaciejChmara带来的名为“烘焙未来”（Baking the Future）的作品同样呈现了一种非常规形式的设计空间。在整个双年展期间，两位设计师也在奥地利馆烘烤面包，以了解这种看似简单的常见食品背后蕴含的复杂的地缘政治背景和微生物学的变化过程。
Chowk & Charpal: An Urbon LivingRoom
Charpai是一种在印度各地普遍存在的传统编织沙发床，往往遍布市集之中，而chowk是印度的一座城市—— 一个位于街道交界处的开放市场。二者的结合展示了设计师对公共空间的定义，既要为个人提高功能服务，又要营造城市的文化特征与认同。
由于全球化的冲击，公共空间的品牌与文化符号越来越多的由全球品牌主导，这导致当地的工匠与传统工艺越来越难以出现在人们的生活中，以至于世界各地的贸易空间都出奇的相似。因此，设计师希望重新营造带有传统符号的物理空间，让传统编织符号重新回到印度的市场之中。
The future is rural
日本艺术家制作了一部展示日本乡村的影片，且现场摆放有可以和观众互动的羊形座椅，试图通过观影的形式探讨艺术能否打破社会、文化、经济障碍，解决世界中普遍存在的孤立和孤独问题。
作者提出了“未来属于乡村”（The future is rural）这一理念，呈现了包括艺术家，设计师和企业家等不同社会位置的人为重新激活日本乡村所共同做出的投入。
往届优秀作品
除去上述，伦敦设计双年展共举办过四届，每届的主题都颇具特色，分别是2016年的“设计乌托邦（Utopia by design）”，2018年的“情绪国度（Emotional States）”，2021年的“共鸣（Resonance）”，以及今年的“全球游戏：重新映射关系（The Global Game:Remapping Collaborations）”，在过去这些展览中，也有着很多颇具创意且令人印象深刻的设计作品。
Matter to Matter
转瞬即逝（matter to matter），由来自拉脱维亚的艺术家Arthur Analts及他的团队共同设计，并获得2018届的最佳设计奖项。
作品选用了可以留下一段时间印记的墨绿色毛玻璃作为主要材料，人们可以在其上尽情的留下言语与图画，而随着水珠的凝结，这些人为的痕迹最终会慢慢消失，回归平静。
作者表示，他以自己的家乡Riga常年湿润的温带海洋性气候作为灵感，把绿色玻璃墙作为交互平台，让每一位观众能在此创作作品，这些作品会因水珠的凝聚，随着时间，慢慢消失。就像自然对待人类留下的痕迹一般，容纳一切。Arthur说：“自然是我们表达情感的最佳场所”。
forecast
Edward barber和Jay Osgerby与V＆A共同打造的装置作品“预测”（“forecast”），于2016年首届伦敦设计双年展展出。这一装置包含了一组风桅及旋转组件，受天气测量仪器的设计影响。起风或改变风向时将会触发装置的活动，创造出一个简单的动力学雕塑与这些元件形成响应。
设计师表示：作为一个岛国，英国历来依靠风能和潮汐的治理进行交通、移民、贸易以及探险等事业的发展。今天，英国是海上风能的全球领导者。“预测”旨在以此为借鉴，突出更具有可持续性的未来发展机遇。
总 结
通过对伦敦设计双年展中部分作品的赏析可以感受到，文化特征与情感理念越来越成为国家或地区在全球范围的舞台中发声的独特性标志。能够触动他人的设计作品才能够获得展示自己的机会，因此在设计当中，能够融入情感或文化情怀的作品，往往更能打动他人，获得共鸣。
